INSIDE THE PLAYGROUND, NAYANI LEWIS,1 AGO. al 3 OCT., 2026
O museo pequeno presenta Inside the Playground, una instalación de la artista estadounidense Nayani Lewis. Esta creadora multidisciplinar utiliza la iconografía de un parque de juego infantil y sus pequeños protagonistas como catalizadores de momentos fundamentales para su propio desarrollo emocional como persona, para la dinámica de sus futuras relaciones sociales, y para la creación de lazos afectivos indelebles.
Con una mirada ciertamente nostálgica, Nayani reflexiona sobre la experiencia agridulce de recordar tiempos pasados, disfrutar la sensación de revivirlos, y sin embargo asimilar su pérdida irremediable. Para celebrar esos momentos, la artista crea una viñeta inspirada en su niñez en Los Ángeles, California, reunida con varios otros niños, entre ellos su hermano, su prima, y su mejor amigo.
Nayani utiliza una técnica mixta, pintando las caras y manos de estos pequeños personajes con óleo sobre lienzo, con una técnica rápida y expresiva, y complementándolos con vestimentas hechas con prendas reutilizadas de su propiedad, creando un efecto tridimensional. La artista ha montado estas figuras sobre cartón, asegurándolas con puntadas de hilo, y suspendiéndolas luego en el aire para crear un efecto de sueño surrealista.
El retrato en primer plano corresponde a Nayani, vestida con un tutú violeta y sosteniendo una pequeña paleta y un pincel. Su mirada baja y la aparente relajación de su pose transmiten tranquilidad y sugieren una niña introvertida inmersa en sus propios pensamientos. Su prima a la izquierda aparece sosteniendo un micrófono, pues el canto era una de sus actividades favoritas, mientras que su hermano, a la derecha, proyecta movimiento e incesante actividad. Finalmente, su mejor amigo se muestra arrodillado, con sus manos elevadas, asemejando un acto malabarista. Al lado de Nayani también aparece el gatito calicó Meowi, que la artista rescató cuando ella sólo tenía seis años de edad, y que permaneció con ella hasta 2025, siempre siendo parte de su inspiración.
Las figuras están complementadas a la izquierda con una pintura mural de un parque infantil de colores cálidos, y a la derecha con un gran árbol con un tronco creado con papel de textura rugosa y pintado con acrílicos, así como ramas con hojas de cartón. El pasar mucho tiempo al aire libre y el disfrutar de árboles, hierba y la naturaleza en general han sido siempre de gran importancia para la artista.
Nayani también incluye una serie de enormes insectos alrededor de las figuras. Las abejas simbolizan el futuro incierto que ella presentía que tendría que confrontar algún día al volverse una adulta, y las mariquitas, la satisfacción y seguridad que, pese a todo, estos tiempos de su niñez todavía le inspiran.
En la entreplanta, nubes sobre un cielo azul y un video con cuatro muñecos de niños pequeños en un parque infantil refuerzan la sensación de juego, amistad, y alegría.
Festa, boor, 16 de mayo al 18 de julio, 2026
O museo pequeno presenta FESTA, unha instalación de Laura Boor, artista autodidacta que levaba seis anos compaxinando un traballo a tempo completo coa experimentación con diferentes materiais, viaxar, e aprender de persoas especiais coñecidas polo camiño.
FESTA é a súa primeira exposición dende que apostou pola arte a tempo completo, e un convite á celebración “sexa pola razón que sexa”: Un martes no que te sentes forte, un proxecto entregado ou que por fin chegaron os vencejos á Rúa Real. Unha boa noticia, ou no seu lugar, a ausencia dunha mala. Considera que todo iso que forma parte da normalidade e que entre tanto espectáculo pasamos por alto, é digno de celebrar.
Por iso dentro do museo máis pequeno da cidade agora está a festa máis grande. As súas paredes convertiranse nas máis alegres de toda A Coruña para acoller tres grandes debuxos fotorrealistas feitos con rotuladores e moitas horas e pezas de deseño creadas a partir de boias recuperadas do mar.
Boor
Laura Boor (Oza-Cesuras, A Coruña) medrou rodeada de arte, explorando dende moi nova a música, a escritura e a pintura. A súa curiosidade polo entorno que a rodea e o interese no benestar das persoas levárona a estudar Educación Social, especializándose en Sostibilidade e Innovación Social. Artista autodidacta, o seu traballo fusiona a súa paixón pola creatividade co compromiso polo cambio social, empregando a arte como medio de reflexión e transformación.
Boor traballa con grandes follas de papel nas que fai debuxos fotorrealistas con rotuladores e liñas -cada obra ten semanas de traballo- e pezas de deseño creadas con boias e flotadores que se soltaron de diferentes artes de pesca, quedaron á deriv, e foron atopados en diferentes praias galegas. Fai click na imaxe de Laura pra visita-la súa páxina web.
TEMPLO 1:3, THOMAS APOSTOLOU, 7 DE MARZO - 1 DE MAYO, 2026
TEMPLO 1:3
TEMPLO 1:3
Tomando como punto de partida las formas arquitectónicas del clasicismo occidental, Thomas Apostolou crea Templo 1:3, una instalación que complementa escultura con pintura aplicada a través de una policromía muy personal. La estructura modular incluida en o museo pequeno está formada por piezas de embalaje de poliestireno expandido que han sido ensambladas y luego pintadas con colores acrílicos. Desde un punto de vista puramente estético, la forma de los insertos está condicionada por dos objetos (la caja y el producto envuelto), siendo su función el llenar el espacio vacío entre varias formas. Mientras que su diseño es puramente funcional, sus formas resultan escultóricas y contemporáneas. Esta construcción en forma de templo es una maqueta en escala 1:3 para un santuario de un supuesto culto imaginario.
Apostolou señala que las obras de escultura y arquitectura de la antigüedad clásica también incluían policromía, pero que esta policromía fue omitida en la narrativa de la historia del arte occidental durante muchos siglos, dando lugar a una imagen falsa de su aspecto formal. Se creó así un ideal clásico ficticio basado en la pureza de unos materiales sin pintar o monocromos, tomando como paradigma el mármol blanco como la culminación estética elegido por una clase alta, pudiente y sofisticada. Desgraciadamente, esta tendencia occidental eurocéntrica también ha tendido a relegar el color como manifestación del arte popular y folclórico, considerándolo algo chabacano y falto de sofisticación, algo que Apostolou rechaza sistemáticamente.
La selección de los materiales usados por Apostolou en su proceso creativo es sumamente importante para entender su mensaje. El artista deja a un lado los obvios materiales de construcción como la piedra o el cemento, y en su lugar elige estructuras modulares ligeras, los desechos plásticos del embalaje producido por un comercio internacional incesante. Estos embalajes son el resultado de las condiciones económicas y culturales específicas de la economía consumista contemporánea; la producción y el desplazamiento masivo de productos hace proliferar estos objetos fácilmente desechables (pero no biodegradables), que inevitablemente formarán parte del registro geológico de nuestra época, el denominado Antropoceno.
El proceso de creación de Apostolou es simple: el artista recolecta estos materiales de relleno, los ensambla creando una estructura, y luego los pinta. Los colores se aplican de uno en uno, conforme a las formas y los volúmenes de los soportes de poliestireno y los colores ya aplicados. En cada “ronda” o pasada de color, las decisiones están más condicionadas. Los colores se aplican en zonas amplias, a menudo creando líneas de distinto grosor, con una paleta dinámica de tonos pastel y colores poco saturados.
Este tipo de pintura está inspirado en la “razzle dazzle”, una técnica de camuflaje marítimo utilizada durante la primera mitad de siglo XX en barcos de guerra, y luego empleada ampliamente por artistas plásticos, entre ellos los cubistas. La “razzle dazzle” se caracterizaba por el uso de complejos estampados de formas geométricas en colores contrastados que se interrumpen e intersectan. La idea principal de la “razzle dazzle” puede resultar aparentemente contradictoria, pero su objetivo no era necesariamente esconder los buques, sino crear confusión (camuflaje disruptivo), haciendo muy difícil deducir su dirección, velocidad, y distancia a la que se situaban.
La exposición esta complementada por una colección de pequeñas esculturas en cemento y resina que reproducen los envoltorios de poliestireno que sirvieron como moldes para su creación. También cubiertos con pintura, los colores y formas aplicados reaccionan con las formas prefabricadas, describiéndolas y distorsionándolas, produciendo una colección de objetos que podrían ser esculturas, relieves o modelos arquitectónicos
Thomas Apostolou concluye: “La idea de crear un templo usando módulos de insertos de embalaje surgió de mi fascinación por imaginar posibles futuros y de la idea de que el registro arqueológico del mundo contemporáneo va a estar sobresaturado. Quizás esta saturación de información, desechos y productos de nuestra cultura ocultará la realidad a los futuros arqueólogos, de manera inversa a la que la desaturación de la policromía de los mármoles antiguos generó la malinterpretación sobre la estética de la época”.
Apostolou (Atenas, 1985) ha estudiado en Grecia, Reino Unido y España, donde obtuvo el Doctorado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, institución en la que también ejerce como Profesor Asociado. Ha expuesto en Reino Unido, Grecia, Malta, Austria, Irlanda, Francia, España, Portugal, Serbia, Suecia y Brasil. Su obra se encuentra en colecciones privadas y publicas en España, Grecia y Reino Unido.
Visita la página de Instagram de Apostolou: @thomas_apost